— Андрей, здравствуйте! Понимаю, что этот вопрос задавали Вам миллион раз, но всё-

таки: как возникли проекты «Hand Made» и Чемодан-дуэт «КВАМ»?

— Здравствуйте, да, Вы правы, но понимаю, что без этого никак. Могу сказать так: всё талантливое у нас рождается от нищеты. Я преподавал в Театральной академии, у меня было 22 студента, нужно было сдавать экзамен, а у нас, кроме четырёх стен - ничего, и вот включилась фантазия, и в результате родился спектакль «ИГРА В 44 РУКИ», который и был изначально самым первым зачётом на первом курсе. Спектакль «Игра в 44 руки» тогда прогремел на весь Петербург, игрался три сезона в МДТ у Льва Додина на большой сцене при полных залах.

Потом этот курс закончил обучение, пришёл новый — и уже с ним мы выпустили спектакль «Потехе час», который так же изначально был просто зачётом. После окончания академии ребята решили остаться группой со мной во главе, и мы назвали наш новый театр: Санкт-Петербургский театр пластики рук «Hand Made». И вот теперь я руковожу театром вместе со Светланой Озерской, с которой мы вместе преподавали на курсе, и которая сейчас так же является режиссёром театра пластики рук. Спектакль « Потехе час» уже стал нашей визитной карточкой, хотя претерпел некоторые изменения, как по «сюжету», так и и по актёрскому составу.

А Чемодан-дуэт КВАМ возник, когда для одного из мероприятий меня попросили поставить два концертных номера. У меня еще сохранились с моих студенческих времен пара номеров, и я стал искать себе студента с похожими на мои руками (это нужно было для одного из номеров). Так я остановился на Алексее Мельнике, сейчас он - актер театра марионеток им.Деммени. КВАМ сейчас имеет три программы: для детей, для взрослых и для иностранцев, то есть, программу без слов.

— Какие оригинальные вопросы вам задавали на интервью?

— Я всегда хочу, чтобы меня на интервью спросили что-нибудь интересное. Один раз спросили, возможна ли импровизация в программах «Hand Made» и КВАМ? Практически нет, программа может посыпаться, если один из артистов начнет импровизировать без договоренности с партнерами. В программах «Hand Made» каждое движение артистов закреплено, это как балет, как танец. Ведь мало кто из зрителей догадывается, что музыка у нас звучит не просто фоном, артисты привязаны к каждому музыкальному акценту, к своему партнеру, именно поэтому очень трудно повторить то, что мы делаем. Люди не подозревают, что работая при выключенном свете артист не видит ни партнера, ни полностью фигуру, которую он собирает, он должен запомнить только положение своих рук. Это в одной фигуре, а за час их проходит сколько? Если каждая фигура держится секунд по пять... И при этом нужно ещё играть, существовать в каком-то пластическом и ритмическом законе, это уже целая школа и целая культура, которую мы родили, придумали, создали и развиваем уже 12 лет.

— А много осталось артистов от первого состава?

- Нет, немного, сейчас даже никого, наверное.

— Знаю, что пластика рук - это начальный этап обучения на факультете театра кукол.

— Раньше пластика рук - это был подготовительный, проходной период для студентов без особого «выхлопа» на зрелище и привлечение к этому зрителя. Это были отдельные этюды, композиции, которые могли где-то участвовать в спектакле или концерте, но они не подразумевали полнометражных представлений. Первый ПОЛНОМЕТРАЖНЫЙ СПЕКТАКЛЬ в жанре пластики рук и был как раз «Игра в 44 руки». Одним из сенсационных изобретений были буквы из рук. Я даже помню самые первые 2 слова, которые мы сложили из рук для этого памятного зачета, это были слова «цирк» и «антракт». И было это (страшно сказать) в 1999 году, в декабре. Сейчас уже не могу вспомнить, как мне пришла в голову мысль сложить буквы, но как только мы выступили с этим на каком-то мероприятии, нас тут же стали приглашать на различные юбилеи и празднования, где мы на заказ делали эти надписи из рук.

Это уже позже мы научились, кроме букв, рассказывать руками целые пластические истории, что, кстати, и отличает нас от тех, кто пытается повторить то, что мы делаем. Надо сказать, что первые 1,5 года мы работали не используя ни перчатки, ни ультрафиолет (часть программы артисты театра пластики рук показывают в ультрафиолетовом свете в белых перчатках — прим.автора). Мы работали в свету, часто на улице. Когда же приходилось работать на сцене, нам приходилось долго объяснять, КАК ИМЕННО нас надо высвечивать (ведь тогда ещё никто про такой приём даже и не слышал). И тут я вспомнил, что во время обучения видел на одном из курсов, у Ирины Кирилловны Ласкари, как студенты играли танго в ультрафиолете. И мы решили попробовать. Тем более, что то, что делали студенты Ирины Кирилловны, не было похоже на то, что уже делали мы, поэтому мы решили уйти в ультрафиолет. Выключил свет, включил лампы — и работаем. Это было проще.
Потом уже мы начали раскрашивать светом все вокруг фигур, и стало получаться настоящее шоу.

— А для зарубежных гастролей вы готовите надписи на языке той страны, куда приезжаете?

— Обязательно! Более того, мы ещё готовим специальный номер про каждую страну, в которую приезжаем.

- Как там принимают, какие отзывы именно о жанре, в котором вы работаете?

- Везде принимают хорошо и везде говорят одно и то же: мы такого ещё не видели. Меня уже просили поставить подобные представления в нескольких странах. Я всегда отказываюсь: если люди специально этим не занимаются, значит, они всё равно это не сохранят, здесь нужен глаз специалиста.

— А есть ли для Вас разница между тем, КАК ставить спектакль для детей или для взрослых?

— Вот это очень хороший вопрос: люди редко понимают, что это очень важный момент - ДЛЯ КОГО ИМЕННО поставлен спектакль: для детей или для взрослых.
Мне говорят: почему вы играете «Потехе час» вечером, почему он не подходит для детей? Потому что у взрослых он имеет шквальный успех, а дети могут посмотреть в полной тишине и во время поклона уже побежать скорее в гардероб. Дети и взрослые — это абсолютно разная публика. Для меня совершенно не понятное словосочетание ТЕАТР ДЛЯ СЕМЕЙНОГО ПРОСМОТРА. Но это большой и отдельный разговор. Есть постановки для детей и есть для взрослых. У этих категорий зрителей разный кругозор, разный жизненный опыт. Детям нужна сказка, нужна игра, а спектакли для взрослых у нас построены на изобретательности и глубоком смысле. Я разграничиваю очень четко детское и взрослое в театре.

- Детская программа в репертуаре Чемодан-дуэта КВАМ, на чем она построена? В чём было отличие для вас в подготовке этой программы, ориентированной именно на детей? Что там, больше интерактива?

— Нет, интерактив любят и дети, и взрослые. Уровень мышления другой, там у нас игра в чистом виде. В спектакле мы рассказываем о том, как трудно быть актёром, в частности, актёром театра кукол. Изначально мы спектакль назвали «Легко ли быть артистом» и столкнулись с тем, что это абсолютно не кассовое название, люди не идут. Те, кто посмотрели в восторге, но объяснить другим, что это такое и что это за жанр, люди не могут.
У меня всегда такая проблема — я стараюсь из привычного и малоинтересного сделать что-то необычное, из ряда вон выходящее. Ну кого может заинтересовать тема, как сложно работать артистом в театре кукол — да никого! А тем не менее спектакль именно про это — про то, как нелегко, но в то же время как это круто. Спектакль идет без антракта 1:10. Иногда перед спектаклем нам говорят: дети устанут, нам бы минут на 45. А после спектакля зрители обычно просят ещё. Во время представления мы с Алексеем выкладываемся по полной, через 10 минут уже, простите, мокрые насквозь. Но зато мы можем похвастаться тем, что держим во внимании зрительный зал аж в 800 человек, а то и больше. НО при точном соблюдении возрастного ценза 5-10 лет. Потому что ребята постарше уже могут быть циниками, им может быть интересно поиздеваться над артистом, и с ними уже не поиграешь.

У нас в программе показано практически всё, что можно делать в театре кукол. Люди уже забывают, что такое настоящий театр кукол. И мы хотим напомнить об этом, вернуть.
Но дело в том, что выбирает, на что пойти в театр, не ребенок, а взрослый. Чаще всего же взрослые выбирают известные имена либо знакомую литературную основу. Абсолютно любую «Красную Шапочку» можно поставить - зритель пойдет, потому что знаком с сюжетом. А о нашем спектакле очень трудно рассказать. «Сарафанное радио» сейчас практически не работает, к сожалению — видимо, предложений от театров очень много.
И программу пришлось переименовать в «Мы к вам заехали на час» — известная фраза, на которую зритель охотнее откликнулся.
То же самое со взрослой программой КВАМа — кто пойдет на какой-то там Чемодан-дуэт? Сколько там актёров, ДВА?! А мы их знаем? НЕТ?! Сколько идёт спектакль? 2 часа?! А какая декорация? ПРАКТИЧЕСКИ НИКАКОЙ?! А костюмы? ПОЧТИ НЕТ?! Да как они могут вообще удержать зал два часа, что они могут такое нам показать? Вообще непонятно.
И как объяснить, что на сцене ЛИЧНОСТЬ – это главное, и что наш проект объездил уже 26 стран не по одному разу и везде нам аплодировали стоя: Италия, Испания, Китай, Корея, Франция, Турция, Румыния, Болгария… Несколько главных призов международных фестивалей за высокое мастерство исполнения… Нас приглашают в разные города на фестивали — и передают «из рук в руки». И везде, куда мы приезжаем, происходит «взрыв» фестиваля. В Польше, в Варшаве, например, мы в 10 утра играли для школьников, а в 12 было назначено представление для участников фестиваля. И после первого спектакля устроители начали срочно звонить в штаб фестиваля с текстом: «Это должны видеть все артисты, пусть обязательно приходят, ТУТ ТАКОЕ!!!»

— Что же особенного в вашей программе? Почему она производит такое «взрывное» впечатление?

— Дело в том, что концертными номерами как таковыми на высоком профессиональном уровне уже практически никто не занимается. Такими номерами с куклами, как делаем мы,— ещё меньше народа. Можно по пальцам перечислить тех, кто это делает. Я же посвятил этому жанру всю свою жизнь.

- О чём же ваши номера, что в них «цепляет» зрителя?

— Обо всём. Тема даже не так важна может быть. Но мой главный принцип: СО ВЗРОСЛЫМИ МОЖНО РАЗГОВАРИВАТЬ, НЕ ОПУСКАЯ ЮМОР НИЖЕ ПОЯСА, И ТОЖЕ БУДЕТ УСПЕХ.

- А неужели не хотелось обзавестись декорацией, как в обычном театре, чтобы зрителю было привычнее?

Задача Чемодан-дуэта была именно такая, чтобы взять реквизит под мышку и поехать! Зато мы универсальны: любую из своих программ можем играть хоть на улице, хоть в театре.
Мне повезло, что мы сделали эту программу на двоих, весь мир с ней объездили, играли и в маленьких залах, и в больших, на 800-1000 мест.
Так же «Hand Made», уже 25 стран мира: ездим в Японию, Корею, Францию, Америку. Мы даже выступали со своей программой в рамках Каннского фестиваля и Венецианского карнавала...

— Нужна ли хорошая базовая школа артисту для работы в театре пластики рук?

- Когда артист приходит в «Hand Made», он начинает учиться. Внутри нашего коллектива уже существует множество секретов, правил, приспособлений, то есть целая система, причём даже я не всегда знаю, как артисты там справляются. На освоение материала у новичка уходит примерно 1,5 года. И в этих репетициях все полтора года принимает участие вся труппа, у нас нет сцен на двоих, нет монологов — так что все учат одного… Терпеливо учат.

А Чемодан-дуэт КВАМ — это вообще авторский проект, сделанный на двух конкретных артистов, поэтому ни о каких заменах там речи быть не может. Это огромнейшая программа, я просто повешусь, если ещё кого-то буду вводить. При замене любого из нас это будет уже другой спектакль.
Трудно приходится? Честно говоря, не хочу жаловаться. Очень многое в нашей жизни банально связано с финансами, арендами и прочими формальностями, не имеющими отношения к творчеству. Могу только сказать огромное спасибо ТЕАТРАЛЬНОЙ ДОЛИНЕ, на площадке которой сейчас идут оба эти проекта. Несмотря на то, что и Чемодан-Дуэт КВАМ, и театр Hand Made работали на таких питерских сценах как Малый Драматический театр - Театр Европы, Театр Эстрады им. А. Райкина, Театр им. В.Ф. Комиссаржевской, Театр на Литейном, Молодёжный театр на Фонтанке, Театр на Васильевском и других площадках, сегодня оба эти коллектива можно увидеть практически только в Театральной Долине или за границей.

— Негосударственные театры все сейчас выживают или есть кто-то , у кого все хорошо?

— Выживают сейчас все! И даже, если кажется, что у театра всё хорошо, я не знаю, на чём они держатся.
В Чемодан-дуэте нас двое, а «Hand Made» ведь это уже целый театр, 9 артистов, есть руководство, обязательства. Театру пластики рук выживать чуть проще, потому что мы можем работать под заказ, мы создаем композиции, надписи для разных мероприятий, церемоний — это и кормит, спектакли не кормят вообще. В минус мы не работаем, конечно, но выхлоп очень маленький.
Поэтому на спектаклях «Hand Made» я сам часто работаю как звукорежиссер, а бывает и как осветитель, просто чтобы сэкономить, мне это несложно.

У меня свое представление о театре и свое восприятие и очень многое из того, что происходит сейчас в театрах, не вызывает у меня той же реакции, как у публики. Попав не так давно на нашумевший спектакль Римаса Туминаса в БДТ, я первые 5-10-15 минут искренне думал, что меня разыгрывают. Оказалось, нет, это действительно спектакль, который восхищает и преклоняет общественность. Я этого не понимаю: для меня – это спектакль из какого-то перестроечного времени, когда старались ломать всё, что связано со духовным миром человека и с настоящим театром, заменяя смысл многозначительными символами, ходами и мизансценами

— Сейчас многие зрители, думающие и ищущие, приходя в театр, сталкиваются с тем, что бездушности очень много, и спектакли ставятся не для того, чтобы зритель для себя что-то понял, с чем-то вышел, а для самовыражения режиссера.

— Мы отрицаем то, чего мы не умеем и не можем. Я не умею воровать — я это отрицаю. Человек не может ставить такие спектакли — он это отрицает. Как сейчас сказал Константин Райкин:

«Я с классикой имею дело только в очень современном её понимании. Только в таком понимании её вообще стоит играть, чтобы она не превращалась в средство от бессонницы. Кто в театр ходит смотреть про старинную жизнь? Кто-то, очень уставший от жизни. Мне такой зритель, честно говоря, не интересен.
Разговоры о границах трактовок классики глупые. Границы каждый раз заново устанавливает сам режиссёр. В театре всё идёт от режиссёра. Хорошо играют артисты - молодец режиссер, плохо играют – режиссёр виноват. А бывает так, что даже очень хорошие артисты играют плохо».

Я так считаю: мы просто сейчас не умеем этого делать. Не умеем ставить по школе. Я видел хорошие спектакли по классике, видел, поставленные в лучших традициях! И это не я говорю, что они замечательные — это зритель.

— В Петербурге что-то можете назвать из таких постановок?

— В Петербурге я хожу очень редко, мало и очень боюсь, честно говоря. Но могу назвать театр «Ковчег». Они работают на внутреннее содержание, чего сейчас уже практически не делают и не умеют этого. Ещё могу привести в пример театр «Ведогонь» в Зеленограде. Там я смотрел прекрасный спектакль «Царь Федор Иоаннович». Никогда не мог подумать, что буду сидеть и смотреть такой материал. Не отрываясь! Никаких шикарных декораций, режиссёрских ходов... Про такую режиссуру раньше говорили: «режиссёр растворился в артистах». Сидишь и смотришь живых людей на сцене, живых!

Ведь темы, которые затрагивали классики, они вечные. Меняются костюмы, манера разговора — все остальное вечно: ревность, любовь, карьеризм, власть. Вот на чем завязано всё, а не на том, что актер особенным образом ходит на сцене или произносит текст. Вот что нужно открывать на сцене — а этого мы уже больше не умеем, потому что этому нужно учиться, а учиться сейчас мало кто хочет.
Точно так же сейчас из кукольного театра уходит кукла. Управлять куклой тоже нужно учиться, просто так она не дастся. Поэтому сейчас в театре ее заменяют живым артистом. И с марионетками сейчас почти никто не работает. Создают спектакли, где кукол просто переставляют, — и эти спектакли получают главные премии. Так же как сейчас главные призы в кукольном театре получают спектакли без кукол - это тоже нонсенс, я уже написал об этом большую статью.

— Сейчас у Вас есть какие-то новые проекты, над которыми Вы работаете?

— Я такой человек, который не может жить, когда всё спокойно и стабильно, мне обязательно нужно что-то новое придумывать. Однажды мне предложили озвучить короткометражный французский сериал «Визитёр из будущего», где я говорю за всех персонажей, и мне это оказалось очень интересно, сейчас уже третий сезон закончил.
Ещё как-то раз мне прислали хорошую современную сказку Александры Романовой про Виндюку, которую я озвучил, — это тоже была интересная работа. Плюс я сейчас делаю аудиовариант своего спектакля «Дюймовочка», который поставил в Улан-Удэ. Под эти проекты я даже дома сделал свою звуковую студию.
Я такой человек, которому нужно постоянно что-то придумывать и развиваться. Я не боюсь учиться — мне даже не важно, у кого именно, если я действительно могу что-то от него взять, поэтому всегда смело иду на разные эксперименты. Даже преподавая в Театральной академии, я учился преподавать.
Я заметил за собой одну особенность: я нахожусь в каждом месте до тех пор, пока УЧУСЬ. Как только я начинаю УЧИТЬ, мне нужно идти дальше.

Автор статьи — Евгения Галышева
ИСТОЧНИК:  ТеатроПоиск

Read more…

А вот ещё о чём подумал…
Существует целый ряд фестивалей, на которых никому не присуждаются никакие места и не раздаются никакие награды за ЛУЧШЕЕ что бы то ни было. Но существует так же целый ряд фестивалей с целенаправленным реестром дипломов и первых-вторых-третьих мест, включая гран-при и номинации….
К тому, что раздача слонов и крокодилов на любом фестивале – дело очень тонкое и не всегда праведное, зависящее, порой, от многих, как объективных, так и не объективных факторов, все уже привыкли. И об этом, конечно, можно говорить, но изменить уже вряд ли что-то представляется возможным. Однако всё же, на мой взгляд, есть один нюанс, который, как мне кажется, следовало бы учитывать.
Это спектакли, показанные принимающей стороной, то есть, хозяевами фестиваля.
Рассмотрим 2 ситуации.
1 – Допустим, на фестивале принимающая сторона показала сильный, классный спектакль, вызвавший у зрителя и коллег бурю положительных эмоций… Ура - вопросов нет!
2 - Но бывают ситуации, когда устроители фестиваля …… скажем так: НЕ показали сильного, классного спектакля, вызвавшего у зрителя и коллег бурю положительных эмоций…. Вот тут как быть? Ситуация двуякая :…… С одной стороны спектакль откровенно слабый…..А с другой… Люди же выбивали деньги, кормили, содержали, селили, веселили, принимали, и так далее…. Неужели совсем ничего не дать?...Два совершенно не совместимых аспекта встают в один ряд. И тогда начинают выручать различные формулировки вплоть до отдельного приза «ЗА…..» Ну, мало ли за что можно придумать…. Потому что «ПРОТИВ» – не ловко.
И вот у меня предложение :
А может, взять за правило, что устроители фестиваля остаются в статусе «устроителей» до самого конца фестиваля? То есть, показать свой спектакль на открытии или закрытии фестиваля, как хозяева. То есть, вне конкурсной программы, получив при этом такую же оценку критиков, зрителей и прессы. А фестивалей в стране много…. И на любой из них они приедут, как обычные безбонусные участники, тем более, что бонус-то в данном случае не такой уж и не решающий, и в конечном итоге, все и всё понимают.

P.S.
Возможно, я чего-то не знаю, и, возможно, есть масса примеров, когда всё совсем не так… Но сейчас я пишу, скорее, с позиции члена жюри, в котором мне всё чаще приходится бывать, и мне кажется, что можно упростить себе жизнь, не усложняя её)))
Впрочем, надо сказать, давно уже прихожу к выводу, что самые продуктивные фестивали - это фестивали без специальных градаций, номинаций и мест, фестивали, где главной целью является обмен опытом и получение ценных советов, а также простое общение, которого нам всем и всегда очень нехватает.
Я понимаю, что все мои предложения пытаются сломать многовековые дубы сознания, но, как говорят в таких случаях в заграничных фильмах:
Я ХОТЯ БЫ ПОПЫТАЛСЯ…
Или я не прав?
С уважением к коллегам и своей профессии
Заслуженный артист России АНДРЕЙ КНЯЗЬКОВ

Предыдущие статьи-размышления Андрея здесь:

«АРТИСТ, УВАЖАЙ СВОЙ ГОЛОС»  

«РАЗБОР ПОЛЁТОВ»  

«ТЕАТР, ПОИСК, РЕЗУЛЬТАТ» 

Read more…

Очень трудно писать так, чтобы тебя поняли… Или хотя бы попытались понять. Но я всё-таки снова постараюсь...
Первыми моими двумя мыслями были: «АРТИСТ, УВАЖАЙ СВОЙ ГОЛОС»  ( о голосовых штампах в театре кукол) и «РАЗБОР ПОЛЁТОВ»  (о нецелесообразности проведения обсуждений спектаклей в присутствии артистов) 
Сегодня я предлагаю задуматься ещё на одну важную тему… 

Не кажется ли нам, что искусство театра кукол постепенно прекращает свое существование, как жанр?
Ведь что предполагает жанр театра кукол? Прежде всего - владение инструментом, то есть куклой! А много ли артистов сегодня владеет, к примеру, тростевой куклой? А многие ли стремятся ею овладеть? А много ли у нас в стране театров кукол, использующих в полной мере не только тростевую, но и вообще куклу, как таковую, заменяя ее живыми артистами. … Поэтому чаще всего кукла уже используется просто, как мебель, а спектакль становится похож на бесконечную перестановку, производимую в определенной планировке….И если уже так называемые «кукольные спектакли» могут играть даже драматические артисты, не имеющие специального образования, я начинаю задумываться, что же сегодня называется профессиональным театром кукол? И какую роль в этом театре занимает сама кукла, на освоение которой в профессиональном смысле слова всегда уходили и уходят годы бесконечного труда?
Представьте себе что пианист уже не извлекает музыку при помощи пальцев, а колотит по инструменту дубиной - Это же проще… Вот это, на мой взгляд, сейчас зачастую и происходит в театре кукол…
И причин тому уже накопилось достаточное количество. Каждая из них в своей степени значительна. Но не последнюю роль в этом процессе, на мой взгляд, играют фестивали театров кукол.
Не, как таковые, конечно, но, как несущие некую тенденцию.
И тут хочется задаться двумя вопросами:
ВОПРОС ПЕРВЫЙ: Как вам кажется, правильно ли, что на фестивале театров кукол ГРАН-ПРИ получает спектакль без единой куклы вообще? Или главный приз в номинации «лучшая роль в театре кукол» присуждается актеру или актрисе, даже не прикасавшимся к кукле?..
В этом случае мне, как человеку, посвятившему свою жизнь театру кукол, кажется довольно странным, что на фестивале театров кукол ВСЕРЬЕЗ ОБСУЖДАЮТСЯ ДРАМАТИЧЕСКИЕ СПЕКТАКЛИ. .Таким образом, как мне кажется, мы сами подталкиваем театры к отходу от театра кукол, который далеко ещё не исчерпал всех своих возможностей.
Ведь, не станут же, думаю, на конкурсе иллюзионистов всерьез рассматривать балетные номера? Для этого есть свой конкурс .

ВОПРОС ВТОРОЙ: Возможно, это и окажется новостью для кого-то, но актёры и режиссёры тоже обсуждают критиков…
Мне кажется так же довольно странным, когда критик-эксперт на фестивале театров кукол начинает свою речь с фразы: «Я НЕ ЛЮБЛЮ ТЕАТР КУКОЛ И НИКОГДА ЕГО НЕ ПОНИМАЛА, ПОКА НЕ УВИДЕЛА СПЕКТАКЛЬ РЕЗО ГАБРИАДЗЕ». Не отрицаю, Р. Габриадзе - признанный мастер, достойный всякого уважения и преклонения, но, простите, театр кукол многогранен. Чтобы судить его, о нём, как минимум, нужно знать или хотя бы понимать. Или просто интересоваться! А ведь фраза, задумайтесь, была произнесена перед аудиторией людей, посвятивших жизнь этой профессии?….И уж, снова простите, но когда эксперты на фестивале театров кукол, видя представление в жанре «куклы на эстраде», откровенно говорят: «МЫ В ЭТОМ НИЧЕГО НЕ ПОНИМАЕМ», вот тут уже прямой вопрос ещё и к организаторам фестиваля: ???????????????
В результате я пришёл к парадоксальному выводу: Театр кукол - это театр, в котором материал раскрывается посредством непосредственно кукол. Однако, на фестивалях театров кукол активно поддерживаются спектакли, полностью сыгранные в живом плане, Спектакли же, сыгранные исключительно куклами снисходительно считаются "традиционными". А артисты или коллективы, занимающиеся куклами на эстраде - вообще инопланетяне на этом празднике жизни! (о куклах на эстраде я хотел бы вообще поговорить отдельно и чуть позже.)
Но я хочу обратить внимание на то, что зритель всегда откликается и бурно реагирует на самые традиционные спектакли, если они поставлены и сыграны грамотно и по всей школе, какого бы отсутствия внимания они не удостаивались на обсуждениях. И тот же зритель остается совершенно равнодушен к самым изысканным изыскам в плане режиссёрского самовыражения, если это - «ВЫРАЖЕНИЕ», в котором на первом месте стоит слово «САМО», даже если оно получило самую высокую оценку жюри.
И в данном случае термину «На потребу публики» я бы предпочел выражение «Зрителя не обманешь»….
Поэтому, у меня конкретное предложение:
1- На фестивалях театров кукол создать отдельную номинацию: ЛУЧШИЙ СПЕКТАКЛЬ ЖИВОГО ПЛАНА В ТЕАТРЕ КУКОЛ, если это направление действительно так уж необходимо.
2- Более уважительно подходить к выбору состава экспертного жюри, чтобы не ставить его членов в неловкое положение и не вынуждать их публично признаваться в отсутствии компетентности. Потому что, в противном случае мы должны задать себе вопрос: А ЗАЧЕМ ТУТ МЫ?
3- И в качестве смелого предложения предлагаю ( простите за тавтологию): выдвигать спектакли – победители фестивалей театров кукол ( без применения кукол) на фестивали драматических театров. Так сказать, по принципу «СВОЙ СРЕДИ СВОИХ.» Чтобы уровнять силы и оценить по достоинству…
Конечно, понимаю, мне вполне резонно скажут: ТЕАТР НЕ ДОЛЖЕН СТОЯТЬ НА МЕСТЕ! ТЕАТР ДОЛЖЕН РАЗВИВАТЬСЯ, ИСКАТЬ НОВЫЕ ФОРМЫ!!!
Логично!!!! И я полностью согласен!!!!!
Но, простите за аналогию: тут уж, как в отношениях с женщиной: можно, конечно, бесконечно увлекаться и искать новые формы! Главное в результате – не поменять ориентацию.
И совершенно замечательную фразу произнёс кто-то из наших великих актёров ( по-моему, Донатас Банионис – могу, конечно, ошибаться, недавно прочитал в интернете, но к сожалению, не скопировал себе всю статью)
ТЕАТР УШЕЛ В ПОИСКИ НОВЫХ ФОРМ… И НЕ ВЕРНУЛСЯ!
А уж к театру кукол эта фраза приходится, как никогда кстати…
Моё мнение такое:
Театр кукол - это необъятное и многогранное искусство! В нем есть место всему!!! КРОМЕ ОТСУТСТВИЯ КУКОЛ.
Или я не прав? 

С уважением к коллегам и своей профессии
Заслуженный артист России. АНДРЕЙ КНЯЗЬКОВ 

Read more…

Первая публикация «Размышлений у служебного подъезда» неожиданно для меня вызвала довольно активный отклик. Отклик этот, как я понял, прошёл не только по нашей стране, но и по её запределам …. Поэтому, я решил: Эх, была ни была…. Попробую и дальше публиковать свои мысли, благо они не ограничиваются всего одной темой…. Хочу только сразу оговориться (зная, как легко в нашем мире, мире театра, нажить себе врагов) Своими заметками я не ставлю перед собой задачи кого-нибудь уколоть или задеть и уж тем более оскорбить …. Мне просто хочется, чтобы мы, люди театра, задумались над тем, над чем, возможно, до сих пор не очень задумывались, а возможно, и вовсе не считали это объектом для размышлений. А для этого иногда приходится называть вещи своими именами. Тем более, что всё, что я пишу- это, так сказать, мысли человека изнутри.
Хотелось бы только уточнить. Разговор, который я затеял, относится к профессионалам, то есть, к актёрам, режиссёрам, художникам, педагогам театральных учреждений, критикам. Я очень уважаю людей вокруг театральных профессий и просто сочувствующих и симпатизирующих нам зрителей, но давайте все-таки вступать в обсуждения, четко понимая, о чём идёт речь. После первой публикации пришлось удалить целый ряд реплик людей, совсем не сориентировавшихся (по роду деятельности) что же тут имеется в виду. Некоторые пытались возражать, явно не дочитав статью до конца, а потому возражали мне, не видя, что ниже я уже на эти возражения ответил… Проблемы, на которые мне хочется обратить внимание, достаточно серьезные и конкретные, ПОЛНОСТЬЮ ПОНЯТНЫЕ ИСКЛЮЧИТЕЛЬНО ПРОФЕССИОНАЛАМ! Я не против возражений, но возражения так же должны быть профессиональные, возражения человека, понимающего СУТЬ проблемы. В противном случае разговор автоматически превращается в бессмысленный гвалт, обесценивающий первоначальную цель.
ИТАК.
Следующая тема, на которую мне очень хочется поговорить, это тема публичного обсуждения спектаклей на различных фестивалях…. Я уверен, тут, действительно, есть о чём просто поразмышлять и над чём всерьёз задуматься….

РАЗБОР ПОЛЁТОВ

Все мы наверняка принимали участие в различных фестивалях и не понаслышке знакомы со всей структурой и организацией этих значимых для городов и регионов театральных событий.
Поэтому то, о чём я решил написать, наверняка будет понятно основной массе театральных собратьев по ремеслу.

Посетив за свою жизнь достаточное количество фестивалей театров кукол, я стал задумываться: а то ли вообще происходит в профессиональном мире этого жанра?

И у меня появилось несколько, на мой взгляд, конструктивных мыслей, которыми и хотел бы поделиться с коллегами по цеху.

Сегодня хочу поразмышлять на тему одного "мероприятия", которое является неотъемлемой частью каждого фестиваля, на тему ПУБЛИЧНОГО РАЗБОРА СПЕКТАКЛЕЙ.

Задумывались ли вы когда-нибудь о нравственной стороне этого самого «разбора»? Я задумался. Задумался в тот день, когда сам попал в ряды тех, кто должен был обсуждать и выносить свои вердикты в адрес выступающих коллективов. Произошло это в 2015 году на фестивале спектаклей для детей « Что за прелесть эти сказки», проходившем в городе Сарове.
Оказавшись в составе комиссии лицом к лицу с теми, кто только что был на сцене, я вдруг невольно задал себе 2 вопроса:

- А имею ли я право высказывать свое мнение в адрес режиссуры в присутствии артистов?
- А могу ли я разбирать работу артистов в присутствии самих артистов или, например, что ещё страннее, в отсутствии режиссера, поставившего спектакль?

Ни для кого не секрет, что труппа театра - это сложный организм. Можно называть семьей, можно называть расхожим выражением «террариум единомышленников», но это замкнутая структура. Иерархия. Вполне логичная. Она должна быть незыблемой. Как можно, например, в присутствии детей ругать или делать замечания их родителям? Куда денется авторитет мамы или папы в таком случае? А артисты - люди эмоционально восприимчивые и эмоционально зависимые.. Убедить их в том, что "родители" не справляются со своими обязанностями - пара пустяков. А дальше? Как режиссеру работать дальше с актерами, в которых уже зреют семена сомнения? Как быть режиссеру, когда артист заявляет: «А МНЕ СТОЛИЧНЫЙ КРИТИК СКАЗАЛ, ЧТО Я ДОЛЖЕН ТУТ ИГРАТЬ ВОТ ТАК!»… А ведь никакой гарантии, что он правильно понял этого критика, нет. Так же, как нет и гарантии в правоте того же критика.
И это еще в ситуации, когда критика высказана в корректной форме. А ведь так бывает далеко не всегда. Но, думаю, это тема для отдельного разговора, к которому я, видимо, обращусь в одной из своих последующих заметок.

Очень часто сильный удар столичных комиссий падает на спектакли провинциальных театров, где с финансированием, а зачастую и образованием артистов полная беда, и куда далеко не каждый режиссер отважится поехать. Причем, на эти театры падает не просто УДАР, а сметающий все на своем пути УРАГАН критики. И все это при артистах! А ведь по сути, ЧЕГО ждет режиссер и артисты от выше указанной встречи с профессионалами? Уверен, ПОДДЕРЖКИ. А в случае ошибок - ПОМОЩИ, СОВЕТА. Но никак не разгрома и уж ни в коем случае не унижения, что без преувеличения зачастую и происходит. Мне известны случаи, когда после такого "разбора", директор театра не продлил договор с молодым режиссером, который, как показалось критикам, не очень справился с работой. Я видел этот спектакль и считаю, что там было о чем говорить, и был шанс поддержать режиссера, указав на ошибки, которые он вполне способен был исправить, пусть не в этом спектакле, но в будущих постановках.
Знаю девушку - начинающего режиссера, которая в отчаянии после разбора готова была уходить из профессии....
А уж когда актрисе, в отсутствии постановщика, говорят, что не понятно почему именно ее выбрали на эту роль, это, дескать, не ее амплуа…. – тут, простите меня, совсем, мягко говоря, не по адресу… Разве актриса может что-то сделать? Она даже ответить на этот вопрос не может… А ей ведь и дальше играть эту роль… Или идти к режиссёру и отказываться? А, возможно, у режиссёра – свой воспитательный момент был при выборе актрисы. Ведь может быть такое?

Возможно, то, что я сейчас написал, оказалось новостью для тех, кто этого просто никогда не замечал... Значит, хотя бы в этом от моего поста будет какая-то польза.
Я стараюсь быть конструктивным и рассудительным, потому что очень хочу, чтобы меня услышали.
Не стоит забывать, что любой фестиваль - это праздник. Праздник встречи, праздник показа новых спектаклей, праздник обмена опытом и праздник приобретения этого самого опыта... Так давайте сохраним этот праздник!

Я ПРЕДЛАГАЮ:

ВАРИАНТ 1: ( серьезный, конкретный и реальный)
Обсуждения спектаклей проводить исключительно с режиссерами. Я бы даже предложил сделать так: отвести критикам отдельный кабинет, куда, допустим, в течение определенного часа-двух может зайти по очереди каждый режиссер ( или по желанию все режиссёры) и выслушать по поводу своего спектакля все, что он готов выслушать. Возможно, эта встреча превратится в дискуссию, но она, безусловно, будет продуктивнее, чем публичная порка, прошу прощения за сравнение.

ВАРИАНТ 2: (праздничный.)
Поскольку, как я уже говорил, фестиваль - это праздник, предлагаю из разбора спектаклей так же устроить праздник. Попросить звуко-режиссера дать каждому эксперту по радио микрофону и "забуратинить" голоса. Ну, классно же получится.))))))

P.S:
Безусловно часть критиков, прочитав эти строчки может сказать: «ТО ЖЕ МНЕ, НЕЖНЫЕ КАКИЕ, НЕ МОЖЕТЕ СЛУШАТЬ КРИТИКУ, НЕ ИДИТЕ В ИСКУССТВО».
На что могу ответит : ПЕРЕЧИТАЙТЕ, ПОЖАЛУЙСТА, МОЙ ПОСТ ЕЩЕ РАЗ!

Или я не прав?

Read more…

                                                                                                                                                          Когда речь заходит о театре кукол, самым распространенным заблуждением является утверждение о том, что в театре кукол все артисты разговаривают неестественными голосами. Ужаснее всего, что зачастую в этом уверены и сами артисты. Особенно остро это ощущаешь, когда смотришь кукольные спектакли провинциальных театров.

Вы обращали когда - нибудь внимание на то, что, как только артист берет в руки куклу, он автоматически начинает сюсюкать, завышать и изменять голос, а играя злодея, обязательно надрывать связки, пытаться рычать и всем своим «голосоповедением» демонстрировать, какой его персонаж негодяй?....
А ведь в жизни всё совсем не так. Ни один человек не разговаривает извращенным голосом, и ни один негодяй не будет демонстрировать то, что он - негодяй. Скорее напротив: негодяи - милейшие, на первый взгляд, люди.
Однако, при этом артист абсолютно уверен, что кукла должна разговаривать именно ТАК..

Откуда же берется это предубеждение и как его избежать?

То и дело в театрах, да и в учебных заведениях, слышу фразу: НЕОБХОДИМО ПОПАСТЬ В КУКЛУ.

И вот в погоне за, так называемым, ПОПАДАНИЕМ В КУКЛУ, артист старается подстроить свой голос под внешний вид куклы, под ее размер и так далее, таким образом, попадая прямиком в зависимость к голосовому штампу.

Я всегда говорю студентам: выйдите на улицу, на Невский проспект, к примеру, и попытайтесь вот так поразговаривать, как вы мне тут пытаетесь... Никто вам не поверит, потому что нет в этом органики. И правды нет.

Самый типичный вопрос, который мне при этом всегда задают и не только студенты: ЧТО Ж МНЕ ЗАЙЦА ИГРАТЬ СВОИМ ГОЛОСОМ?

На это я всегда отвечаю: В каждом персонаже важен характер, а характер заключается в поступках, а не в том, каким голосом вы будете разговаривать. Голос - дело вторичное, он сам решит КАКИМ ему быть. Когда вы рассказываете анекдот про Медведя и Зайца, вы же не пытаетесь кривляться, изображая каждого из них. Ваш голос сам отделяет Медведя от Зайца. Вы к этому не прикладываете никаких усилий. Вы стараетесь донести до слушателя КАЧЕСТВЕННУЮ характеристику персонажа, то есть, ХИТРОГО Зайца или ГЛУПОГО Медведя, или Медведя - НАЧАЛЬНИКА, но никак не просто внешние его характеристики, то есть, ПИСКЛЯВОГО Зайца или РЫЧАЩЕГО Медведя...Так же и на сцене.

Хотя, безусловно, понятие голосовой характеристики персонажа существует и вполне законно.

Так в чем же разница между голосовой характеристикой и банальным голосовым штампом?

Голосовая характеристика - органичная, индивидуальная особенность голоса актера. Ее можно развивать, можно воспитывать, но базируется она всегда на природных данных каждого человека и не является основой при работе актера над ролью.
Голосовой штамп - это искусственная голосовая краска, отличающаяся исключительно яркой формой, при полном отсутствии содержания...
При помощи штампа очень трудно выражать мысли и чувства персонажа, и при этом от штампа так же трудно избавиться. Он навязчив и неотступен настолько, что, как правило, завладевает всеми вашими персонажами и сводит ваше амплуа до одного типажа, мешая развиваться и расти, как артисту.
Собственный же голос артиста гораздо богаче, интереснее. Он способен выразить больше нюансов, чем любая, как бы вам ни казалось, самая яркая, голосовая манерка.. Если вы начинаете работу над ролью с поиска подходящего голоса или тембра, будьте уверены - на этом ваша работа над ролью и закончится.

Я воспитывался на артистах Ленинградского Большого Театра Кукол, таких, как народные артисты РСФСР: В.С. Киселева, И.С.Альперович, В.В.Кукушкин, заслуженные артисты РСФСР В.П.Корзаков, А.П.Корзаков. Меня всегда удивляла и поражала их способность раскрыть образ персонажа, ведя диалоги, как подлинные драматические артисты, не издеваясь над своим голосом и над ушами зрителей.
Смело могу сказать: не кукла диктует артисту, что играть, а артист своей убедительной игрой руководит куклой и воображением зрителя.
Как пример, всегда привожу спектакль того же ленинградского Большого Театра Кукол "КЛОП" по произведению В. Маяковского в постановке народного артиста РСФСР Виктора Сударушкина, куклы художника Элеоноры Боровенковой. Роль Олега Баяна исполняли в очередь 2 народных артиста РСФСР: Владимир Кукушкин, у которого был очень высокий голос, практически тенор, и Илья Альперович, у которого напротив- очень низкий баритон, практически бас. При этом кукла Олега Баяна была одна. Никаких вопросов по поводу подходит ли голос или нет, никогда не возникало.
Народная артистка РСФСР Валерия Киселева всегда строила свою роль еще за долго до появления в мастерской ее куклы... И никогда не промахивалась мимо образа, напротив, всегда казалось, что кукла подстраивается под убедительность ее игры.

Напомню так же, что в спектакле народного артиста Грузии Резо Габриадзе "ПЕСНЯ О ВОЛГЕ" все роли озвучивали драматические артисты и исключительно своими голосами. А ведь в этом спектакле народная артистка России Лия Ахеджакова озвучивает даже не Зайца, а Муравья, вернее Муравьиху.

Из своей практики могу добавить:
В спектакле "ПУТЕШЕСТВИЕ К РАДУГЕ" по сказкам Д. Биссета, в постановке Николая Боровкова, художник по куклам Элеонора Боровенкова, я играл одного из трех Вреднюг. Это были огромные мимирующие поролоновые маски, надевающиеся на голову артиста. Я долго пытался найти характер своего персонажа, отталкиваясь от того, что делают мои партнеры, пытаясь занять заметное место в этой троице. И наконец, понял, что функционально самое выгодный образ - это "смешливый болван". Так и стал играть. После первых проб художник подошла ко мне и сказала: ВООБЩЕ-ТО Я СДЕЛАЛА ГРУСТНУЮ МАСКУ, НО ТЫ НАСТОЛЬКО УБЕДИТЕЛЬНО ИГРАЕШЬ, ЧТО ЭТОГО НЕ ЗАМЕТНО. Я посмотрел на маску и вдруг увидел, что у нее действительно грустное выражение лица. Но никто: ни зритель, ни партнеры никогда этого не замечали.....

Когда я был студентом ЛГИТМиК, наш мастер, заслуженный артист РСФСР и Эстонской ССР Л. А. Головко, так же жестко прививал нам уважение к своему голосу. Трудно было поверить, что твой голос может подходить к кукольному персонажу, первым делом хотелось его повысить, исказить до неузнаваемости, подмяв под куклу, сделать его, как думалось, более ярким и эксцентричным. Однако, мастер категорично и жестко требовал от нас именно СВОЕГО ГОЛОСА. Был даже момент, когда Леонид Александрович, репетируя с нами дипломный спектакль СОКРОВИЩЕ СИЛЬВЕСТРА, где у меня была одна из главных ролей, роль одноглазого пирата по имени Эскалоп, в отчаянии воскликнул: «Хоть с роли Князькова снимай – заштамповался уже!» И только эта фраза заставила меня прекратить держаться за придуманную голосовую краску и задуматься о самой роли....
Безумно непривычно было начинать разговаривать своим голосом, но в результате этого удалось победить в себе стремление к голосовой манерке, в какой- то момент вдруг обнаружив: У МЕНЯ НЕ ЗАКРЕПЛЯЮТСЯ ИНТОНАЦИИ, Я МОГУ ИМПРОВИЗИРОВАТЬ И КАЖДЫЙ РАЗ ПРОИЗНОСИТЬ ТЕКСТ ПО-РАЗНОМУ, РАЗВИВАТЬ ЕГО, что при наличии штампа совершенно не возможно!
При голосовом штампе интонации, как правило, закрепляются намертво и повторяются от репетиции к репетиции.

В настоящее время отношение к голосам артистов театра кукол не всегда радует.

Однажды я присутствовал на экзамене по сценической речи одного из курсов факультета театра кукол при С-Петербургской академии театрального искусства. Комиссию возглавлял известный и уважаемый мною педагог с драматического факультета, Юрий Андреевич Васильев - легендарный профессор СПбГАТИ. Во время обсуждения работ студентов, он произнес фразу, которая не могла меня оставить равнодушным. Я могу быть не точным в буквальном выражении, но смысл фразы был такой: «ЭТО ЖЕ АРТИСТЫ ТЕАТРА КУКОЛ!- ОНИ ДОЛЖНЫ ОБЛАДАТЬ НЕРЕАЛЬНЫМИ ГОЛОСАМИ!»

КАТЕГОРИЧЕСКОЕ ЗАБЛУЖДЕНИЕ!

АРТИСТ - он и в Африке артист, и за ширмой он тоже прежде всего - АРТИСТ!
Поэтому и разговаривать должен, как АРТИСТ! Ведь на сцене мы видим не абстрактных зайчиков, ежиков и белочек, а вполне конкретные ЧЕЛОВЕЧЕСКИЕ ХАРАКТЕРЫ и СУДЬБЫ. А из этого следует, что характер, стиль, манера, а стало быть, и школа сценической речи артиста театра кукол ничем не отличается от школы любого драматического артиста.

В заключение хочется сказать еще об одной разновидности речевого штампа - шепелявости. Это беспроигрышная краска, позволяющая ленивому артисту ничего не играя, иметь успех. Попробуйте пришепетывать - и это всегда будет смешно. Но всегда одинаково. Поэтому мой вам совет: запретите себе это изначально. Не облегчайте себе жизнь. Откройте в персонаже его истинные качества характера. И вы приобретете больший сценический опыт, который расширит ваш диапазон, а значит и амплуа.
Про себя могу сказать, что сыграв в театре и на телевидении более 120 ролей, ни один из моих персонажей не был удостоен этой дешевой речевой характеристики.

Если же, несмотря на все полученные знания, попытки и старания, артист все-таки не может найти органику при работе с куклой и не звучит убедительно и естественно... стоит задуматься: ведь школа школой, а проф. пригодность, пока еще никто не отменял.

МЕНЯ МОГУТ ВПОЛНЕ РЕЗОННО СПРОСИТЬ:
Как же так- столько примеров ярких интересных голосов существует в театре. Известные на всю страну голоса мультипликационных персонажей Клары Румяновой, Василия Ливанова, Георгия Вицина...Та же народная артистка РСФСР В.С.Киселева имела огромный диапазон голоса да и автор данной статьи так же применял в разных ролях различные голосовые характеристики.
Да, В.С. Киселева обладала огромным голосовым диапазоном, то есть ПРИРОДНЫМИ ДАННЫМИ и наряду с этим, как и остальные актеры, обладала мощной органикой и убедительностью в создании образов.
Механизм применения голосовой характеристики - стандартный: сначала суть, потом голос. Позволю себе повторить мысль, высказанную вначале:

Артист должен уметь раскрыть образ персонажа, его СУДЬБУ, а голос сам решит, каким и насколько ярким ему быть. Это уже у каждого индивидуально. Ведь понятие ТАЛАНТ тоже пока еще никто не отменял.

ТАК ЖЕ МЕНЯ МОГУТ УПРЕКНУТЬ в принижении значимости художника: дескать, как же так, значит, что художник не сделает, не стоит на это вообще обращать внимание? Но давайте посмотрим в корень. То, о чем я говорю - большая актерская проблема в театре кукол, а зачастую и в любом детском театре. В своей статье я привожу пытаюсь вскрыть эту проблему и помочь ее решить. Ведь зритель никогда не скажет: КАКАЯ ВЫРАЗИТЕЛЬНАЯ КУКЛА И КАК АРТИСТ ПЛОХО ИГРАЕТ! Зритель скажет : НЕ ИНТЕРЕСНЫЙ ПЕРСОНАЖ! Да и в принципе, по большому счету, трактовка персонажа - это же прямое дело режиссера, а не столько художника или актера.

А, когда каждый профессионально делает свое дело, тогда и результат налицо! Именно этот результат и называется ТЕАТРОМ, который так же пока еще, слава Богу, никто не отменял!

-----------------

P.S.

В 2015 году я проводил мастер класс в театре кукол города Ставрополя и решил попробовать свой метод на профессиональных артистах. Результат был удивительным. Для артистов оказалось большим открытием, насколько интересен может быть собственный голос. Они с удовольствием включились в процесс и в итоге получили замечательный результат.

А, например, речь артистов бурятского театра кукол «Улигер», которые были моими первыми учениками, пресса очередного фестиваля «Кукарт» несколько лет назад назвала уникальной, отметив удивительную культуру этой речи, которую сейчас уже встретишь далеко не в каждом театре.

P-P.S. И еще одно подтверждение вышесказанному из личной практики.
Не так давно мне пришлось озвучивать один французский сериал «Визитёр из Будущего». 12 персонажей, включая женские. Я – один. Голос практически не менял. Единственное, что менял - характеры. Когда люди видели презентационный ролик, где от каждого персонажа буквально по 1-2 фразы, все говорили, что понятно, кто именно это озвучивает. Но когда видели серии целиком, говорили что, если бы не знали, ни за что бы не подумали, что во всех ролях звучит один и тот же человек. Для меня это является самым ярким подтверждением всего вышеизложенного и даёт абсолютное право ещё раз повторить свой же собственный тезис, заключённый в названии: «Артист, уважай свой голос!», ведь, по сути, голос – это и есть твоё лицо.

Или я не прав?

Заслуженный артист России Андрей Князьков

Read more…